Fig Bilbao 2015

Mañana se inaugura el Fig Bilbao Festival, o lo que es lo mismo la Feria Internacional de Grabado y Arte sobre papel. Del 19 al 22 de noviembre, Bilbao se va a convertir en la capital de la estampación y el arte sobre papel. Es en el Palacio Euskalduna donde se da cita la mayor feria de Europa especializada en arte en papel bajo el lema “Descubre tu papel en el arte”. Se nos presenta una oportunidad única para poder disfrutar de grandes obras de colecciones tanto privadas como de museos internacionales.

Gracias a este festival, Bilbao se sitúa como capital europea en cuanto a lo que obra gráfica contemporánea se refiere gracias no sólo a exposiciones de primer orden sino también a los talleres profesionales que durante tres días se imparten al igual que conferencias entorno a este tema. Por cuarto año consecutivo se dan cita artistas tanto nacionales como interncionales que nos mostrarán sus trabajos que muchas veces exploran los límites de la gráfica contemporánea.

Las cifras de este Festival son arrolladoras: 6000 m² de recinto expositivo, 62 Galerías y expositores internacionales, más de 300 artistas nacionales e internacionales y presencia Iberoamericana gracias a Cuba, Argentina y México.

Sin duda es una buena oportunidad de acercarse al mundo del grabado y de las artes gráficas de primera línea y descubrir artistas que de otro modo puede que pasen desapercibidos a nuestros ojos. También ofrece a lo largo de tres días muchas actividades, os dejo a continuación el calendario:

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RECINTO Y CONEXIONES

Palacio Euskalduna Jauregia. Abandoibarra Etorb.4, 48001 Bilbao.

Conexiones con Tranvía (parada Euskalduna) y Metro Bilbao (paradas Indautxu o San Mames)

HORARIO

JUEVES 19// 16,30h. –  21,00h.

VIERNES 20 / SÁBADO 21// 10,30h. –  21,00h.

DOMINGO 22// 10,30h. –  8,00h.

 

 

Fotógrafos que hay que conocer (IV): Eugène Atget

Siguiendo con la sección que empecé hace algún tiempo, os vuelvo a traer un entrega de fotógrafos a los que en algún momento creo que hay que darles una oportunidad y mirar su obra con detenimiento.

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“Retrato de Eugène Atget” realizado por Berenice Abbot

Eugène Atget (1857-1927)  fue un fotógrafo francés autor de uno de los archivos fotográficos más amplios y más increíbles que se tienen de París. Gracias a él y a su carácter de documentalista, tenemos hoy en día un retrato casi perfecto del París de la época, de sus calles, sus establecimientos, sus rutinas y de su cotidianidad. Estas fotografías, Eugène, las hizo por el mero hecho de hacerlas, sin ningún afán de notoriedad ni por el querer enseñar. Sino que rehuyen de los movimientos artísticos se dedicó a fotografiar lo que veía y le gustaba y, gracias a ello, tenemos ante nosotros a un fotógrafo de los pies a la cabeza, ¡un crack!

No se dedicó a la fotografía de buenas a primeras (de hecho, empezó casi a los 40 años). De joven trabajó como marino mercante e incluso se interesó por el teatro, estudiando en el Conservatorio Nacional de Música y Drama. Pero su fracaso en este ámbito le hizo intentar destacar en la pintura, sin éxito, por lo que al final eligió la fotografía, por necesidad (¡y menos mal!)

 

Así en el año 1892 con 35 años de edad decide colgar en la puerta de su casa (en el barrio de Montparnasse) el cártel de:

«Eugène Atget: documentos para artistas, paisajes, animales, flores, monumentos, reproducciones de grabados, documentos y primeros planos»

Empieza así su carrera como fotógrafo, toma imágenes de manera compulsiva lo que le obliga a veinte años después a empezar a clasificar toda su obra ya que comienza a darse cuenta de la importancia y de la dimensionalidad que ha alcanzado la misma.

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Un resumen de sus series fotográficas sería:

1) Los viejos oficios: los primeros años se dedicó a hacer retratos de personas realizando sus oficios.

2) El viejo París: minuciosa documentación del París de principios del siglo XX: edificaciones, rincones, calles,… Dividida a su ves en cinco subgéneros: el París pintoresco, arte en el antiguo París, la topografía del viejo París, entorno e interiores de París.

3) Paisajes y documentos: se podría dividir en varias subseries: paisajes, plantas, animales etc.

4) La vieja Francia: imágenes tomadas en diferentes ciudades del país.

5) Vestuario y arte religioso: reproducciones de copias.

6) Prostíbulos: a principios de los años veinte se dedica a fotografiar a prostitutas en la entrada de los establecimientos de su interior.

Gracias a la cámara de placas, a las exposiciones prolongadísimas y a los reflejos en cristalera conseguía dar  ese aire fantasmagórico a sus imágenes, en las que solían salir calles desiertas.

Murió en la más absoluta de las miserias pero dejó más de 10000 negativos que poco después de su muerte fueron adquiridos por Abbot (escultora estadounidense estudiante en Berlín y París) y se dedicó a difundir su obra tanto en Estados Unidos (donde es considerado un maestro) como en Europa. Y gracias a ello, hoy en día conocemos a este genio de la fotografía.

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“Coine rue du seine” de Eugène Atget (1924)

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“Rue des Nonnains d´Hyères” de Eugène Atger (1900)

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“La cour du Dragon (Paris VI)” de Eugène Atget (1913)

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“Cabaret del infierno” de Eugène Atget.

 

Arte en el cine: La Pasión de Camille

“La pasión de Camille Claudel”, dirigida por Bruno Nuytten, es una película biográfica sobre la vida de la escultora Camille Claudel y como fue su auge y su caída. Musa de Auguste Rodin, se enamoró perdidamente de él. La peícula es un viaje hacia la locura en proporciones titánicas.

Camille sintió desde niña una gran pasión por el arte y, en especial, por la escultura. Dedica sus días y noches a su pasión, la escultura. Con el apoyo de su padre y su hermano Paul (escritor y dramaturgo), sueña con entrar en el estudio del maestro Auguste Rodin. Después de demostrar su talento y determinación de trabajar con él, es contratada como aprendiz junto a su amiga Jessie. Camille rápidamente se enamora perdidamente de su maestro y se convierte en su amante y musa.

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Se centra en la lucha interior de la artista y en su relación con Rodin. La actriz borda el papel, en cada plano se deja la piel y lo da todo y, es gracias a esa interpretación visceral que te toca, te llega esa lucha interior a la que está sometida la artista. Ves sufrir a Camille, sabes que aún le queda mucho por lo que sufrir y sientes pena por ella, sufres con ella a o largo de todo el largometraje. Hay momentos en los que la lucha entre egos (el de Rodin y el de Camille) se palpa y traspasa la pantalla. Depardieu y Adjani representan perfectamente esa lucha de ella por destacar en un mundo del arte reservado sobre todo a hombres y la de él por ser reconocido, por su ansia de fama.

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Se sitúa en a Belle Époque, un momento de cambios, de agitación social y cultural. Grandes artistas, científicos y pensadores se daban cita en París. Nombres como Gauguin, Renoir, Monet,Victor Hugo, Debussy,… estaban en boca de todos. Y ahí en medio de todo surge la figura de una jovencita enamorada de la escultura y empecinada en entrar en el círculo más cercano de Rodin. Acaba consiguiéndolo y convirtiéndose en su musa y su amante. Esa relación tormentosa se plasma a la perfección en la pantalla, ella a lo largo de la película se va transformando hasta convertirse en una caricatura de sí misma, histriónica y borracha. Escenas de luces y sombras en las que la pasión descarnada es las envuelve y los diálogos los que acaban de oscurecerlas:

“- Yo esculpo la vida, no la muerte – aclara Rodin a su musa
– Tú desprecias la vida. Buscas el dolor y te emborrachas de él- replica una desquiciada Camille”

Diálogos como este se suceden uno tras otro entre ambos genios para acabar de rematar la cordura de Camille. La película homenaje el mundo de la escultura deleitándose en los sonidos del cincel y el martillo, transportando al espectador a la época y a los talleres. Es una película hecha para los sentidos. Los caracteres de los personajes están perfectamente dibujados e interpretados de manera magistral. En definitiva, si tenéis la oportunidad de verla os la recomiendo porque es una película que muestra perfectamente la dificultad de una mujer en esa época para convertirse en artista y no estar tan encorsetada, los tormentos que padeció por ello Camille y nos da una visión perfecta de como fue su historia con Rodin. La verdad es que me sorprendió mucho y la disfrute.

La película está basada en el libro que escribió la nieta de Paul Claudel (hermano de Camille), Reine-Merie Paris. En 1989 tuvo dos nominaciones a los Oscar, como Mejor película extranjera y como Mejor actriz para Isabelle Adjani. También fue nominada a Mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro y en el Festival de Berlín de ese año Isabel Adjani se llevó el Oso de Plata como Mejor actriz por su brillante interpretación de Camille. Al igual que se llevó el Cesar (los premios más prestigiosos de Francia) a la Mejor actriz y en esa ocasión también ganó el Cesar a la Mejor película.

 

imageCamille Claudel (1988)
Francia
Director: Bruno Nuytten
Guión: Bruno Nuyttern & Marilyn Goldin
Reparto: Isabelle Adjani, Gerard Depardieu, Alain Cuny, Madeleine Robinson, Roger Planchon, Phillipe Clévenot

Exposiciones para ver el finde (XXXIX)

Aprovechando que este fin de semana voy a bajar a Madrid os traigo una selección de las exposiciones que me parecen más interesantes y a las que trataré de acercarme en algún momento.

CaixaForum Madrid en colaboración con el Museo del Louvre nos trae la muestra Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas” en la que a través de diferentes piezas de esa época nos invitan a explorar la forma en que la mujer era representada en la villas romanas. La mujer en Roma ocupó un lugar destacado en su sociedad si se compara con otras sociedades antiguas. Una de las exposiciones imprescindibles de la temporada ya que las piezas que se exponen conforman un interesantísima y bella muestra. Una mirada al mundo femenino desde todos los puntos de vista. Esculturas, retratos, retratos en miniatura sobre madera, frescos, etc. nos acercan a la visión que se tenía de la mujer en la Roma Antigua. Piezas de un gran valor artístico y cultural que harán las delicias del espectador.

En el CentroCentro Palacio de Cibeles y hasta el 28 de febrero de 2016 podemos ver la exposición “Kandinsky. Una retrospectiva”, que yo personalmente es la que creo que voy a ir a ver ya que tengo debilidad por este artista. se trata de una de las mayores muestras que se han hecho del pintor ruso Vassily Kandinky en nuestro país. A través de casi cien de sus obras, la exposición nos aproxima a la carrera de este artista de vanguardia y a su trayectoria desde sus primeros años en Alemania hasta sus últimos en Francia, pasando por las épocas que pasó en Rusia. Una radiografía completa de lo que fue Kandinsky como artista, lo que se traduce como una oportunidad única de ver tanto volumen de su producción en una sola exposición.

El Museo Thyssen-Bornemisza nos trae la primera exposición en Madrid dedicada al pintor noruego Edvard Munch desde 1984, “Edvard Munch. Arquetipos”. Artista conocido por su icónica pieza y tantas veces reinterpretada “El grito”, influenciado a lo largo de su trayectoria artística por el expresionismo alemán de principios del siglo XX. La muestra nos presenta casi ochenta obras del artista que nos van a mostrar y evidenciar la capacidad que tenía Munch para analizar, esquematizar y plasmar en un lienzo las obsesiones de un hombre de su tiempo. Hasta el próximo enero tenemos oportunidad disfrutar de este genio.

La Fundación MAPFRE, por su parte, nos trae al fotógrafo nacido checo y nacionalizado francés, Josef Koudelka. He de confesar que yo no le conocía hasta que me puse a ver la exposiciones que podía ver en mi escapada a Madrid y me han entrado ganas de pasarme para disfrutar de la muestra. Artista que a lo largo de su carrera ha ido estrechando la separación entre fotografía artística y fotografía documental hasta crear su modo particular de representar las cosas. La exposición nos presenta más de 150 obras en las que incluye las obras experimentales que hizo al comienzo de su carrera allá por los años cuarenta.

Otro desconocido para mi y al que quiero investigar más es el artista vietnamita Danh Vō. El Palacio de Cristal se ha convertido por obra y gracia de este artista en una evocadora vitrina museística, por encargo del Museo Reina Sofía. Dahn Vō encapsula la nostalgia del museo paleontológico y arqueológico bajo el nombre de “Destierra los sin rostro, premia tu gracia”. Fósiles de dinosaurios, fotografías, cartones, tallas de madera, etc… son algunos de los objetos que el artista ha convertido en evocación para esta muestra alejándose de las convenciones artísticas y convirtiendo al espectador en parte de la obra y no sólo en mero observador. Oportunidad para conocer la obra de este artista de primera mano.

Y con estas cinco exposiciones os dejo para disfrutéis del fin de semana. Hay muchísimas más muestras que ver en Madrid, recordad que esta es tan solo la selección que he hecho yo.

Descubriendo artistas: Pablo Lecroisey

Pablo Lecroisey (Madrid, 1979) se define así mismo como fotógrafo pero su obra va más allá, es una indagación, una búsqueda a través de los sentimientos, las obsesiones, etc. que han hecho que a lo largo de su trayectoria se vaya dibujando y configurando un mundo singular dentro de su propio quehacer como fotógrafo. Sus imágenes congelan en un sólo fotograma un instante que acontece dentro de  una puesta en escena completa y compleja que se desarrolla tanto antes como después de oir el “click” de la cámara. Sus fotografías son capaces de contarnos una historia en la que las metáforas y simbolismos, la estética y los exuberantes personajes se coreografían de manera brillante y perfectamente orquestados para atrapar al observador. En palabras del propio artista:

“Considero que mis imágenes son mi grito de libertad, cada una de ellas es independiente y pertenece a momentos, vivencias y sensaciones con personas diferentes en sitios diferentes, el único nexo de unión soy yo y mi forma de hacer las cosas”.

Sus composiciones tienen cierto aire de dramatismo y de surrealismo en las que las escenografías son un personaje más al ser prodigiosas, exhuberantes y muy potentes. Son imágenes que invitan a ser interpretadas y a formar parte de ellas. Su estética en algunos momentos me recuerda a la de los grandes maestros barrocos; el uso de la luz, los ropajes de los personajes, la manera de ubicarles en el espacio, las luces y las sombras en conjunto, los colores, etc. todo ello me lleva a apreciar la paridad entre las fotografías de Lecroisey y los rafaelistas o los grandes maestros. Es un fotógrafo de grandes recursos narrativos y de cierto gusto por la teatralidad.

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‘Los Gritos Del Prado’, fotografía realizada en La Tabacalera de Madrid. Pablo Lecroisey. ©

Con cada fotografía aborda un pequeño relato que plasma y nos deja una moraleja que analizar, transmite algo que a todos nos llega de distinta manera. Se tratan de historias no lineales, es decir, cada imagen posee más de un argumento, siempre depende de el cristal con que se mire. Oscila entre sueño y realidad, realidad y ficción, ficción y verdad, entre pasado y futuro, futuro y presente,… pero siempre ahondando en los sentimientos más profundos de la condición humana.

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‘El enigma de las 4 ES’. Parte del vestuario es de la bailaora Sara Baras. Pablo Lecroisey. ©

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‘El día de mañana’. Grupo de bailarines en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Pablo Lecroisey. ©

Un fotógrafo al que merece la pena disfrutar de cerca. Y, estamos de enhorabuena, hasta el día 30 de noviembre en la Casa de Vacas del Parque del Buen Retiro y dentro de la exposición “82 Salón de Otoño” podemos disfrutar de una de sus obras. La Asociación Española de Pintores y Escultores es la organizadora de este evento.

Os animo a que os paséis por el Parque del Buen Retiro y aprovechéis el paseo para disfrutar de este artista y de otros muchos que se dan cita en esta exposición.

Mientras tanto, os dejo con un Making of de “El día de Mañana” que Pablo Lecroisey tiene colgado en su canal de YouTube, disfrutadlo:

Exposiciones para ver el finde (XXXVIII)

Estrenamos otro viernes (pero mira que pasan rápido las semanas, ¡qué barbaridad!) y hoy os traigo algo muy muy especial que nos va a transportar a todos a nuestra más tierna infancia. Tan sólo voy a recomendaros dos exposiciones que van a enamorar tanto a mayores como a pequeños:

Empezamos con la exposición ‘Peliñecos’ en la que vais a poder ver unos cincuenta muñecos realizados en goma eva. Peliñecos comenzó hace algo más de tres años y realizan no sólo muñecos personalizados sino que también crean figuras de artistas conocidos tanto del cine como de la música, así como de figuras infantiles de todas las épocas. Se puede ver en la Sala Municipal de Exposiciones de Barakaldo.

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Y la otra exposición que os recomiendo encarecidamente porque, de verdad, os va a enamorar tanto a grandes como a pequeños. Yo ya la he visto y creo que la veré alguna otra vez, seguro. Se trata de ‘Kolore-lilurak. El colorín de la ilusiónque da a conocer parte de los fondos qun el Euskal Museoa tiene de objetos destinados a niños y adolescentes como recorta les, cuentos, tebeos, cromos troquelados, entre otras cosas. Son creaciones realizadas sobre papel y que abarcan un periodo que comprende los tres primeros cuartos del siglo XX. La muestra se divide en dos salas.

Un viaje nostálgico para algunos y un descubrimiento para los más jóvenes, para que se hagan una idea de cómo eran algunos de los ratos de ocio en una época no tan lejana.

Podéis aprovechar el buen fin de semana que vamos a tener para daros un paseo por el Casco Viejo de Bilbao ya que el Euskal Museoa se encuentra en la Plaza de Unamuno y una vez terminada la visita siempre se puede aprovechar para tomar unos pintxitos en la Plaza Nueva.

Lo dicho, toca disfrutad del fin de semana. Nos leemos la semana que viene.

¡Pasadlo muy bien!

 

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